王家增 记忆中的城

2015-09-22 15:57 来源:盛典文化网 作者:小灌木

    

画家 王家增

  画家简历

        1963年,出生于辽宁省沈阳市;

  1992年,毕业于鲁迅美术学院版画系;

  1993年,中央美术学院油画技法研修班;

  1992至2011年,任教于鲁迅美术学院、教授、硕士生导师;

  现任教于中国人民大学艺术学院,教授;

 

  编者按:画家是通过画面来言说和这个世界的关系,王家增的作品中非常空旷的画面中总是在 一处有孤独的楼群,被时间腐蚀的物件 、孤单的床、被时间腐蚀的物件、兀立的鸟、许多生命隐藏其中而面目模糊的人…… 。它们 被一种凝重的空气笼罩着,伴随着画家的呼吸。画者把曾经作为生命最厚重而踏实的体验 放在画布上, 带给人们思考, 这工业城市化背后物质与精神的关系以及个人与集体的关系。

城迹33(100x80cm)纸上丙烯2014





城迹15号(58x60cm)纸上丙烯2014
 

       盛典文化网:王老师您好,简单您的介绍《城迹》系列的展览

    王家增:我早期的创作主要是以版画的形式呈现,这一时期的发端应该是我的毕业创作,从92年延伸到2000年左右。五年的大学生活,通过不断的实践与观看,我的自信心变强了。大学期间陆陆续续在画些东西、做些版画。毕业创作则是一个释放的阶段。对于画什么、怎么画基本没什么纠结,很自然地就涉及到了工业题材,因为这跟我的成长经历和生活环境有关。2000年后,我则更多的进行油画创作,主要是想尝试更多的媒材和手段。尤其是05年后,创作了系列作品《工业日记》。我的工厂经历给予了我生存在工业城市的感受:沉闷、压抑,带着一些愤怒和无奈,就像《工业日记》里那些巨大的、挤压在一起的盒子。我希望关注到人,可我作品中的“物”却有着压倒性的力量,人被异化。在《工业日记》系列之后,《同一屋檐下》、《镜子》等系列作品逐渐把目光聚焦在具体的人物上,希望能在作品中审视工业化社会中人的状态。这次展出的《城迹》系列,是我以往创作主题的延伸或者变奏。我一直生活在沈阳和北京这两个城市,北京的生活节奏要快很多,除此之外,当代中国的城市生活给我精神上的影响是一致的。不断的忙碌、追逐,通过物质来获得安全感和成就感,人被物压倒。我们依然甚至更牢地被禁锢在盒子里,旧的盒子毁掉了,又建起了新的、更现代化的盒子,我们的精神却无处安放。我希望延续并发展有个人符号特征的形象化语言,某些最初的影像可能一直潜伏在意识中,成为后来创作的基调,在作品中延伸出来,并不断被深化。

  盛典文化网:您做艺术家如何在现实中体会了您说的巨大孤独和荒诞呢?

  王家增:你看那些荒凉的建筑群落、孤单的床、被时间腐蚀的物件、兀立的鸟、许多生命隐藏其中而面目模糊的人…… 这些物件和人都以无奈却倔强的沉默回应世界的喧嚣,却又恰恰成为了喧嚣世界中的一份子。你说不清他们究竟是喧嚣的制造者还是承受者,亦或两者都是。他们看似毫无关联,却又挤在了同样一个空间里。现实里的人也一样,我今年1月去东京时,在新宿的街道上看见密密麻麻淌过斑马线穿着黑衣服的人,看见伫立着的电线杆,电线上停着些鸟。这些元素全部被动地被塞进这个空间里,可他们之间好像毫无关联,他们从不交流,就像一个个沉默的零件,只有马路上车的声音。他们所做的只是等待绿灯亮起,然后穿过马路走进新宿的一栋栋大楼里,坐在办公椅上,就像零件归位。这就是生活,一种巨大的孤独和荒诞。我后来看了维尔哈伦的一首诗叫《原野》,里面说:“彷徨着的人民/像道路般悠远了/从很久,他们就经历着时间/从原野到原野地走着。”就是这感觉。



城迹56 布面丙烯(100x150cm) 2015
 




城迹59布面丙烯(150x220cm)2015



城迹55(110x150cm)布面丙烯 2015

  盛典文化网:做了艺术家以后怎么 回头看“工人”这样的经历?

  王家增:现在的工人的确是社会上比较弱势的一个群体,但工人在我这里可以说是符号,他们是最先被工业文明冲击到的一批人,因此他们的意义不能被单纯当作一种职业来看待。他们身上有一种奇妙的冲突。他们既代表着工业本身,又代表着被工业时代影响并冲击着的人类。就像我之前说过的,他们既是沉默的反抗者又是喧嚣本身。他们身上有着人类在进入工业时代后所独有的特征,也是最具现代性的特征。比如孤独感,比如被机器奴役,比如麻木冷漠和迷失。

  我比较喜欢希腊导演安哲的电影,他的许多片子基本没有传统意义上的主人公,他镜头下的人大多是些小人物,但确实能反映人类的生存状态,通过反映个体的迷茫与流离来体现整体的一种迷失。而且这种手法所带来的冲击力是无限的。一个艺术家关注的是人类存在的问题,这可以是个哲学命题,也可以是个社会研究课题。但是反应到画面就是一个艺术问题,艺术家是在创作艺术作品,画面感和制作感是必不可缺的。这也是艺术表达的独特性。工人这个群体在社会上的作用和他们自己的身份在不断变化,因此这也就要求我在创作时也要在保持大主题不变的情况下做些灵活的调整。现代性是个很复杂的问题,许多在过去很简单很直接的事情,到了现代因为牵扯的东西多了都变得复杂了起来。这就需要我进行更多的思考,而不能仅仅像过去那样,以单一的视角去关注复杂的问题。过去我关注“盒子”今天我把盒子减弱,让它和城市发生关系。让它不仅仅是在思想层面上探讨人类存在方式的问题,而可以将思维的触角延伸到城市垃圾等具象的社会问题上以及延伸出来的社会发展意义问题。

  哲学家通过纯粹的思考和理性的文字探究人类生存的问题,文学家通过小说或者诗歌来认识和讨论世界。而我们做视觉艺术的,想把同样的母题叙述完美,就是把画面经营到特别完美。那是一种艺术家直觉上的恰到好处,多一笔多余,少一笔不够。不断和画布碰撞,越是画的顺的时候越要提醒自己,破坏自己,不断颠覆,不断进步,这就像一种落实在画笔上的思辨和永久的怀疑,一种属于艺术家的持续探索的过程。必须要不一样,只有让艺术性不一样才能持续往前走。如果每天都一样,就不会有太大的进步,如果不敢把所谓好的作品破坏,也不会有太大的进步。回到“工人”这个符号这里也一样,这么多年下来我不能还按照我最初对工人的理解那样去画,一切都是运动着的。我也在不断毁坏重建再毁坏的过程中不断发掘这个符号所代表的新的意义。

  盛典文化网;这样大场面的城市记忆 很多场面都有工厂、风景 、楼群、 这些采风。这些图像有什么来源?

  王家增:生活中看到了什么、想到了什么、触发了什么样的联想、在心底沉淀了什么、就会在脑海中形成怎样的画面。任何事物,甚至只是生活中平凡的不经意的一瞬间,都会成为创作的动机。我可能不太习惯对着具体的图片或者景象进行创作。

  我很少应用照片,我的东西目前在北京或者东北可能找不到具体的对应物,艺术重要的是创造,不是模仿。而且这种创造很大程度上是一种感受性的创造。奥地利诗人里尔克把自己关在城堡里创作,卡夫卡把自己封闭在地下室里创作。有位作家的观点是仅仅是人生前18年的经历就足够支撑一生的文学创作。绘画艺术也一样,我记忆里不变的的东西结合着不断变化的现实感受,两个时空不断碰撞,最终落实成我的那些作品。所以你看到的我的作品也是不断变化着的,那些是我的感性和理性杂糅的产物,有我的思考,也有我作为绘画者纯粹感受性的东西。

  如果是拍一个照片画,就是简单了,但没什么意思。我希望在我记忆里或者感受中的东西,结合我每一天的发现和感受,融在一起后能够形成一种创作。就一幅画而言,可能颠覆十回,颠覆二十回。 最后画面效果好, 才是成立的。包括抽象,主观绘画,都是需要艺术家想象,一个艺术家一定要有主观的东西,如果是被动的模仿那就是一个画匠。

  客观的模仿不用艺术家画,就连摄影也不再是单纯的搬运生活中的场景。对于艺术家,一定要有其独特性,作品里一定也要有别人画不出来的东西,那种东西就是艺术家独特的内心感受,那是唯一的,是自己最宝贵的东西。在教学中我也强调这点,每个学生都有自己最宝贵的东西,闪光点不一样,我尽量激发自己内心唯一的东西,和所有人都不一样的,我自己的东西。

 



城迹20(100x150cm)纸上丙烯 2014

  盛典文化网:在教学中,艺术最重要是的什么?如何让找到自己唯一性?

  王家增:技法通过训练都能做好,但不是所有人都能画出自己的个性。一个人的唯一性很大程度上就是一个人的才气。 才气不是人人都有的,它通常来自天生的敏感性、感受能力,当然也同读了多少、读了什么书,看了多少作品,还有视觉修养有直接的关系。要我说艺术基本功正如字面意思,是基本。第二层就是艺术修养, 这需要大家去广泛涉猎书籍、艺术品。最顶层的,也就是唯一性,我称之为才气。在艺术教学中,教师重要的是帮助、鼓励学生发掘自己的潜质。现在中国的教育有点问题,教育不是因材施教,帮助学生发掘属于自己的唯一性,而是试图抹杀掉学生的个性,让他们都去走同样的所谓正统的路。所以我发现我们的学生总是不敢相信自己也是独一无二的,艺术是不应该有统一标准的。你看美术史每位艺术家都是独特的,每个人的经历和关注的东西也不一样。康定斯基是学物理的,把物理的原理结合在艺术上,把自己的感受用属于自己的方式激发出来。克利喜欢画面内部的碰撞,线和线的关系、底色和线的关系、圆形和方形的关系,还有他作品里音乐节奏感的体现是非常到位的。德库宁,他说“我画的就是自己的感受。感受是什么,就是什么。”一个作品,可能不需要用具体的、统一的文字去阐释,大家看到不同的东西,才有思想的交流。谁也不能告诉你什么是艺术,大师的作品可以说像坐标上的点,提示出艺术发展的一种路径,更多的可能性需要去发掘、找寻。

  盛典文化网:您的作品有一些材料的探索?

  王家增:我的确是一直在做材料方面的实验,不同材料的结合产生的奇妙质感很有意思。以前做版画用到的材料也借用到油画上。我也尝试做些特殊的纸,把纸浆做得更厚一些,做出不同的层次关系和特殊的质感。我工作室有纸浆、金刚砂、泥土,用不同的材料,做出不同的味道。去年带学生敦煌写生,非常受感染,就想做出自己想要的感觉,形式和材料像敦煌石窟里的残片。



城迹18(300x400cm)布面丙烯2014



城迹18(300x400cm)布面丙烯2014

  盛典文化网:谈谈您在艺术教学中的实践经验?

  王家增:现在的这一代学生都很聪明,今天的社会发展到这个程度,人类文明已经有了很深的积淀,他们所能接触到和了解到的知识积累越来越多。

  艺术的教育,我在前面就提到过,整个教育体制都是有问题的。首先招生体制,现在从小学孩子们就被束缚得很厉害,中学就是填鸭式的教育,到上大学需要创造的时候却发现创造性早被扼杀了、被共性淹没了。艺术最重要的是创造力,模仿很容易。

  国内的艺术学院招生,学生们都要画一个头像,造型比例什么的要很准才能被录取。而国外艺术学院招生是要看申请者的独立创作,看申请者的独特性和他/她的思路,画的再像没有自己的创造也没用。在国内,一张试卷就决定你一生的发展,而国外是看你提交的二十几张作业所展现的创造性思维怎么样。从教育的开始就存在偏差,国内不重视创作思维的培养、训练。

  国内对于学生从小的审美教育也不够,如果我们的学生从小就能接触一些高水准的艺术,这种通过潜移默化而形成的艺术修养未来也许就可以通过绘画语言表达出来。我们没有一个完善的博物馆体系,像纽约大都会博物馆,MOMA,国外孩子从小就在那里观看、临摹。而中国官方的美术馆没有太多东西,故宫偶尔有一些。如果在欧洲学美术史,你会看到原作,眼界会宽广而独特。像国内好多学美术史的,没见过多少原作,眼力不高,怎么能作为鉴赏家、评论家去评判好与坏。

  我觉得学院教学中重要的是对学生的启发、引导。帮助他们理顺一些模糊、犹疑的想法,引导他们去发掘意识里的独特性。想要“画的像”很好学也好教。中国的美术学院大都沿袭苏式教育,那么学生学到的都差不多。我就希望我的学生们多看、多想,勇于面对自己的内心,不要人云亦云,不管是写实性的,还是观念的,还是什么其他的,你喜欢就可以尝试,不要人为设置太多禁忌。每个学生个性不同,作品就应该是有区别。要让学生知道自己想要什么 。

  盛典文化网;谈谈当时对您的艺术道路最初迷茫对您影响的老师?

  王家增:我在鲁美学习了五年。教师有留德的、留苏的,还有本土学院培养的。各种创作观念的冲撞还是挺大的。王兰老师的色彩构成课对我影响挺深。她会搜罗好多大师的画册给我们看。在不断的分析、比较中去学习,去抓住那些打动你的东西,从而解决自己的问题。同从美国回来讲学的陈小文老师共同创作的过程,也让自己突破了自身的束缚,找到自信,以更开放的心态做自己的东西。。

  盛典文化网:您刚才谈到的非常看重创造,创造应该是越往后越难?您现在还在突破什么问题?

       王家增 :每天对自己的作品都有不满意的时候才会往前走。当你觉得自己画的很好了,这可能代表它的确满足了目前个人对作品的要求,代表你对自己作品的自信,但这时你也要警惕自己,因为这也可能意味着你会停滞不前。突破不是什么刻意的事,它是一种自省的、自然的、对世界保持敏感从而不断前行的过程。不管是灵光乍现的时刻,还是缓慢蜕变的过程,我都很期待。只要对画画这件事还抱有纯粹的热情,其他的就顺其自然好了。



城迹57布面丙烯(110x150cm)2015



城迹58布面丙烯(120x150cm)2015

 

 


责任编辑:李楠 关键词:王家增 油画 城迹 人民大学艺术学院
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